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Between the Arts: Johannes Birringer

por Abdel Hernández San Juan

Part 1

Johannes Birringer is the author of pivotal, significant, decisive, artistically and creative experimental books such as 1991 Theatre, Theory, Postmodernism (Bloomington: Indiana UP), 1998 Media and Performance: along the border (Baltimore: Johns Hopkins UP)., 2000 Performance on the Edge: Transformations of Culture (London: Continuum), 2008 Performance, Technology, and Science (New York: PAJ Publications) that has enacted and epitomized the turns of an age in the interactions between the most experimental side of scenic arts, urban sensibility and everyday artistic and art cultural life in modern towns in the EUA as Houston, in Texas, Ohio and currently in London.

The Book in his work appears like in Grotowski, first as an internal necessity of systematizing his own creative process defined and surrounded by his pieces as individual author, giving to it order, structure, elegance and theoretical consistence, but as typically in dance and theater mans when they decide to explore their pieces beyond monologues, evolving some actors, his books also reflects both his internal reflexions as author, but also his reflections around his actors and other kind of guests and or collaborators evolved like in Eugenio Barba books. However, unlike Grotowski and Barba, and more in the tradition of visual dance, Pina Bausch, Johannes Birringer work, including books and exhibits, even if, certainly, as typically in the scenic arts, maintaining the principle of a company to facility and produce, has really experimented and moved his explorations to the plastic arts evolving with high quality, level and succefull results, art installations and exhibits in a form I has recognized as rigorous, technically, artistically and aesthetically.

Unlike Pina Bauch, whose work assimilate to the frames of postmodern dance pieces visual issues and unlike Wilson, who has sustained certain classist parallelism between his postmodern plastic theater and his drawings and paintings as a minimalist, as a new generation exponent Johannes has assimilated the best of their tradition, including elements of the four, but has really and successfully incursioned the plastic arts in a new form. He early perceived that the creative processes, as in process art, fluxus, is the only were from which the arts really communicates themselves in between and instead of just leaving the relation platform-viewers as Barba or exploring experimentally with the viewer as in Grotowski, he paid and played a very significant attention to the relation between text and image as a material reality itself, as a media, to books as to exhibits, priorizing the cinematic and documental aspects of images in direct relation with both processes, the reconstructive endeavor of the visual with all the potentials of fragments, including aleatorism and sounds, sequences, as the basic micro-cinema of images and environments, from backgrounds as the basic form of contrast to sites specifics and places, the basic principle of performance art and installation art in plastic arts, including architectural forms.

He successfully conciliated, extended and demonstrated practically, as nobody before, a non contradictory principle, regarding both, secularized specialized techniques and the integral nature of human performance, of coincidence between the body as an image in reconstructive documentary plastic art performance imaginaries, the visual imaginaries of the body as an image in contemporary experimental dance and cinema by priorizing the fact that there is always a film, not a movie, but the reticulary of at least a cinematic eye, also a lent or a camera, something that finally radicalized him to video production and edition as the media generator of interfaces, interfaces that are both, registers of open processes and visual cinemas, they are at the same time documentals and sequential, a principle that suggested him the artistic potential to experiment, with medias as protagonists, high new computer recording technology laboratories to visual poetry creations and performing, from mix sets of visual art and dance, the performers and dancers creating visual images to the camera, to the relation between text and image, image and motions, the plastic and the danzary, visual design and choreography, from natural environments to ciberenvironments.
He first demonstrate it through his own artistic work, books and exhibits, the OHIO laboratory one evolving dancers, and after he has demonstrated the potential to generate ciberlab environments for forums, conferences, individual authors publications and research as currently general curator of digital cultures.org research lab in London.

Coming from his first book Theater, Theory and Postmodernism, as a figure Johannes Birringer epitomize not only a move that transcended the previous literature on the relation between theory and practice in theater literacy, or a whole new age in the relation between experimental high art and the urban in artistic EUA modern towns life’s, developing a completely new format to explore visual poetries in technology and media ciber environments visual designs, but also in EUA and London the main promoter and propitiator of individual author literary works online publications as my ones in the epistemology, the phenomenology and the abstract philosophizing on the relation between new media’s technology, subjectivity, being, spirituality and rituality in EUA and england theorizing it.

(see Abdel Hernandez San Juan, http://www.digitalcultures.org/Library/El%20Presentacional.htm, http://www.digitalcultures.org/Library/Lo%20Intangible.htm,http://www.digitalcultures.org/Library/Lo%20Dado.htm, http://www.digitalcultures.org/Library/despues.html)

(And cf. theoretical forums, conferences and new literacy books and papers.

I have never seen before in the difficult, arid and complex terrain of the relations between the arts, a more successful demonstration of interartistic communication and boundaries crossings between the arts, as in German Houston based artist and critic Johannes Birringer, he represent a unique and original case, something that we don’t know yet If can goes beyond him as a single talent, in the complexion of an old dream, still unrealized Marxist one, the one of unifying the arts.

 

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La sensorialización esta deviniendo una de las recurrencias más estables en las formas de el arte actual. Con el éxito galopante de las nuevas tecnologías del internet veinte cuatro por veinte cuatro at home, y mundos de la vida cotidiana imbricados por las tecnología de la eficiencia en que la publicidad, los mercados y el turismo, otrora remitidos a backgrounds, bien como paisajes citadinos del signo, y los modos en que este se recortaba en aquellos por su iconicidad, bien como mundos separados allá afuera o en el otro lado de la pantalla, aquel antaño espacio y tiempo de la representación, han devenido oscilaciones navegantes cual planetas que orbitan o cual boyas flotantes acariciando los sentidos corporales inmediatos, la sensorialidad ha devenido algo de primer orden.

Este fenómeno, para nada extraño a la naturaleza humana, relacionado al eco de las nuevas velocidades tiene efectos de sobreabundancia sensorial sobre el sistema receptivo de los cuerpos, y ha tornado a lo sensorial en un campo de búsquedas que si bien remiten a lo emanado de la vivencia empírica, adquieren una densidad otra que las velocidades mismas suscitan, deviniendo objeto de curiosidad exploratoria, cuando no dejándonos sobrecogidos sobre que ha sido de nuestro sentido del cuerpo. Si la capacidad de nuestro cuerpo sensorial para decodificar estímulos que llevan nuestras mismas velocidades de recepción, no requieren más que de el tiempo y el espacio instantáneo de su vivencia inmediata, el encuentro de ese cuerpo sensorial con aquellas velocidades aludidas suscita un mundo sensorial sobreabundado el cual debe ser luego desplegado deviniendo en un campo de exploración que se moverá desde ese momento entre la memoria corporal y la estimulación sensorial inmediata y prospectiva.

El expresar, comunicar o evocar esto en el arte con las emociones y conceptos que además le vienen implícitos, es un reto actual, no solo por cierto, para el arte contemporáneo, también lo es para quienes escribimos pensamiento y filosofía. La muestra expuesta por Johannes Birringer en Marquet Square en el Down Town de Houston en mil novecientos noventa y ocho es una de las elaboraciones artísticas más ricas y hermosas que en los últimos años he visto relacionadas a este asunto. Si bien el artista no hace en la muestra una alusión directa o referencial al tema, sus piezas e imágenes resultan reveladoras en aquel sentido siendo además, dentro del conjunto de la obra de este artista, la obra que subraya el punto de giro en la relación entre su trabajo anterior y las obras que siguieron después de esta muestra, sus posteriores incursiones hacia los ambientes virtuales y los ciberlabs que caracterizaron después su arte durante sus años en el departamento de danza de la Universidad de Ohio y sus incursiones más recientes en London, no sin dejar de referir aquí su muestra en la facultad de Música de Rice University.

Desarrollada en conjunto con su compañera de vida y colega artista Angeles Romero, discutiré esta muestra como el punto angular que separa a la vez que relaciona el trabajo previo, discutido en mi ensayo Ambientes Arcaicos y el trabajo posterior de Johannes. La muestra en si no reviste muchos aspectos que la hagan inaccesible o compleja, consistió de cuatro sencillos espacios tres contiguos uno al otro en el mismo primer piso y otro en el siguiente nivel de la azotea. Su principal característica fue la de su relación visual con el Down town ultramoderno de Houston abordando en este un antiguo edificio aquel que fuera el mercado principal en esta parte de la ciudad adecuándolo así para el arte contemporáneo, relación explicitada en su última parte con el emplazamiento en la azotea de un mirador para que los espectadores contemplaran el Down town y la urbe moderna desde la altura.

Después de una antigua escalera y colosales pacillos de acceso a través de los cuales se camina con abundante espacio y un puntal de avejentada inmensidad arquitectónica, se van teniendo en la distancia las primeras impresiones de que hacia el final, no precisamente en una sala acondicionada para exposiciones, sino en un espacio intermedio o encrucijada desde el cual se acceden y en el cual desembocan con sus puertas dos salas acondicionadas para la exhibición de arte contemporáneo, penden desde aquel inaccesible puntal un número suficiente en cantidad como para llamar la atención por su repetición y distribución, de tubos de ensayos transparentes en posición horizontal llenos de agua algunos de los cuales, unos pocos, se percibe luego acercándose, contienen peces vivos.

El efecto de esta imagen, en principio evocadora por la fuerza de su metáfora, organismos vivos que flotan en tubos de ensayos como peceras superpuestos, es una insólita metonimia sobre la inmensidad de aquella antigua arquitectura inglesa, desde alguna de cuyos ángulos se puede percibir, cual palimpsesto de superposiciones yuxtapuestas, el paisaje casi lunático o extraterrestre de los edificios modernos de Houston. Esto resulta en principio, dada la disrupción momentánea de parámetros que traduzcan la forma o el elemento al contexto, surrealista. Esta apariencia surrealista, sin embargo, es solo un efecto momentáneo, lo cual se confirma con mi lectura palimpsestual de la exposición en su conjunto como gran gesto de relación a ese insite y de las imágenes en este insertadas como superposiciones sobre el fondo del Down town. Se trata de una imagen que devuelve hacia el resto de la muestra un efecto que evoca ese mundo al que me refería antes respecto a la tecnología de internet en que los seres o las cosas parecen como planetas orbitar constelados en ingrávidas atmósferas, me refiero a una sala expositiva nítidamente blanca y acondicionada en la cual se proyectaba sobre las paredes en las dimensiones de una gran pantalla, una escena conformada por cuerpos de cosmonautas que flotaban unos al lado de los otros durante alguna misión al espacio en la atmósfera sideral.

Al dejar esta sala en la que solo se percibía de forma continua el video en movimiento de los cosmonautas en el ambiente sin fuerza de gravedad, en la siguiente sala sobre la derecha, los espectadores están frente a un performance por iniciarse. En el espacio, un extenso pacillo de unos cincuenta metros de largo por apenas seis o siete de ancho, solo se perciben, como elementos minimalistas y recostado sobre una pared en uno de los extremos, una gran circunferencia de alguna materia compacta y solida, pesada, mientras en el otro, varios trozos grandes de hielo helado que no han comenzado a derretirse. De momento se van presentando, cual suscitaciones, las figuras de dos jóvenes mujeres como si se tratara de imágenes que emergen desde la misma materialidad de estos elementos, o de la relación que ambos evocan. Esta es la relación entre lo solido, lo compacto y la opacidad propia al material de la circunferencia, con su peso, además, por un lado, y lo liquido, transparente, frio y liviano de el hielo, por el otro. Lo que gira y puede moverse, además, en un lado, y lo que se desvanece o derrite, por el otro, lo tibio y cálido versus lo frio, lo opaco versus lo transparente. No se trata, como usualmente en el performance y el teatro de ese modo en que los actores hacen entrada a escena siendo percibidos desde una exterioridad que les recorta como signo sobre el fondo constrastado que se separa sobre la escena y su expectación. En el mismo modo en que la muestra como conjunto visual sobre aquel antiguo edificio superpuesta al Down Town, desde la azotea evocado con un mirador, se trata aquí de dos imágenes sutilmente fusionadas a la atmósfera las cuales parecieran surgir desde ella como si emanaran.

Más que entrar a la escena o salir de ella, estos dos cuerpos femeninos distantes en el espacio se van presentando y van apareciendo desde la misma atmosfera, en un lado, desde el hielo el cuerpo intensamente sensual, sexy y erótico de la chica rubia que surge desde el hielo comenzando lentamente a extender sus bellas formas y sus verdes ojos, en el otro, la chica mexico-americana, comienza a mover muy lentamente aquella circunferencia pesada que contrasta a su vez también con su cuerpo igualmente sensual, es Angeles Romero. El movimiento de Angeles es simple, pero acogedor, consiste en mover aquel circulo que le hace resistencia a lo largo de aquel espacio como quien hace un esfuerzo para conseguir llevarlo desde un lado hacia el otro en dirección al hielo mientras proyecta hacia la otra su voz en sonidos onomatopéyicos que explicitan.
En el mismo modo en que la imagen de mover una circunferencia pesada que ofrece resistencia, se trata aquí, con la relación entre estas dos imágenes como efecto visual y la relación entre los materiales antes explicitada, de el esfuerzo por comunicar una emoción sobre espiritualidad y modernidad, sobre la calidez del alma y la frialdad de lo moderno, aquel edificio antiguo frente a aquella urbe ultramoderna casi lunar, emoción que transciende lo literal para conectarse con las metonimias de las dos salas previas y la posterior, los tubos de ensayos flotando en el espacio, los cosmonautas ingrávidos flotando en el espacio sideral, el mirador en la azotea desde el cual se puede ver el down town desde aquel antiguo edificio otrora mercado. No se trata pues, con esta muestra de Johannes de una crítica a esa modernidad, sino antes bien, de la evocación de una nueva exaltación a una relación de mutuo encantamiento la cual por lo demás es aquí captada como impronta de una nueva era, en la que lo moderno no puede ya desplegarse sin espiritualizarse y a la inversa, la memoria o la tradición, aquí evocada con el antiguo edificio, sin modernizarse.

En su límite más extremo, en definitiva, lo frio, calculado y racional, representado en la arquitectura minimalista es reabsorbido por el alma cálida de una nueva era, y a la inversa, la memoria visual de aquello que está en extinción, asimilada por esa modernidad como el horizonte inveteradado de sus propios modos de desplegarse, algo que en resumida cuentas describe algunas de las ultimas modalidades de eso que, entre nosotros diluido ya en las nuevas formas urbanas de él new age y la música tecnológico-ritual, queda en cierto modo como últimos reductos de nuestro otrora posmodernismo, el palimpsesto visual de turismo y memoria, de urbe y tradición, y la lectura de estas palimpsestualidades, mercados, el internet, consumo, tecnologías, aeropuertos, turismo. En este modo visto respecto al todo estético y emotivo de la muestra, la chica que surge de el hielo parece con el calor de su cuerpo devenir desde el amor, comunicación, contacto, humanismo, una vez más sobre el fondo de aquel edificio antiguo y como palimpsesto superpuesto a la arquitectura ultramoderna, los cosmonautas en el espacio sideral y los tubos de ensayos con organismos vivos, se trata de una imagen evocadoramente epifaníca.

La epifanía aquí explorada es sin dudas una figura curiosa dentro de las formas del lenguaje poético, el tropo o los lenguajes figurados y es, considero, junto a la evocación, a la cual se relaciona en varios sentidos, y la cual requiere, un tropo recurrente por no decir preponderante en la sensibilidad estética y espiritual de la nueva música urbana tecnológica echa por mujeres jóvenes anglosajonas hoy en Estados Unidos, tanto como en no poco de el arte más joven visual y cinemático que se desarrolla en el país en sentido cosmopolita de el cual angeles y Johannes son también exponentes. Por su sencillez y fuerza evocadora, ella ha propiciado la optimización minimalista en la comunicación artística de hermosas emociones en las que altas tecnología, ecología, naturaleza, sensibilidad y el ser, se imbrican con temarios urbanos de la vida cotidiana, algunas veces también con elementos de tradición asimilados al lenguaje moderno, bien sean estos idiosincráticos a la propia artista, relacionados a una u otra región en EUA, bien retomados por lo inveterado que evoca su valor extinto.

Regida así por evocación y epifanía como figuras principales de lenguaje, la muestra de Johannes, que como decía anticipa sus posteriores incursiones de visual poetries en composiciones coreográficas destinadas a tecnology visual motion ciber environments desarrolladas después en OHIO, ejemplariza eso que he definido en años recientes como El ESPACIO COMO TROPO, relacionado a la transformación para la ocasión artística de determinados espacios físicos en tropos artísticos, algo que en cierto modo venia dándose antes desde aquello que llame el impulso sinegdotico y posinegdotico en el ready made lo cual, sin dudas, relación la muestra de Johannes, por su tipo de ímpetu, aunque ligeramente distinta, a mi pequeña curaduría Artistas in Trance en Rice University 97 que centre a nivel de técnicas plásticas en nuevas formas actuales de el ready made, pequeña curaduría de siete muestras la cual por lo demás Johannes no solo visito y vio sino que colaboro conmigo en ella como film documentary y más recientemente con publicaciones online de algunos de mis libros en London.

Su muestra reviste además en términos de teoría una significación indiscutible, a pesar de su simpleza, pues tipifica, siendo Johannes un artista proveniente de la danza, y en nuevos modos, aquello que con precisión entendemos como performance en las artes plásticas trayendo al primer plano la pregunta sobre hasta dónde comienza y llega el performance y hasta donde la imagen, relación aquí trabajada en su relación al todo estético y visual de la muestra en su conjunto, por la conexión entre el motion visual de cuerpos que se mueven en el espacio, ese modo de hacer presencia como si surgieran de la atmosfera, con sus efectos de minicinema, (diminuto cinema) en esta, y los efectos ingrávidos de los tubos de ensayos que flotan en el antiguo edificio, la proyección de imágenes de los cosmonautas en el espacio sideral y la imagen de la ciudad.

 

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